El estudio fisiológico de la técnica del piano

El estudio fisiológico de la técnica del piano [editar]
Los estudios de Luca Chiantore sobre la historia de la interpretación y la técnica del piano tienen una relación directa con su propia actividad como profesor de piano, que ha dado como resultado algunos de los más brillantes pianistas de la última generación. Esta actividad, desarrollada en los últimos años en colaboración con Pablo Gómez Ábalos y siempre en el marco de las actividades de Musikeon, se basa en un estudio pormenorizado de las características fisiológicas del gesto pianístico y las especificidades de cada alumno, según una metodología reelaborada de forma personal a partir de los textos teóricos de Rudolf Maria Breithaupt, Tobias Matthay y Blanche Selva, así como la tradición interpretativa de Theodor Leschetizky y Ferruccio Busoni. En particular, se dedica un espacio específico a la diferenciación entre componentes activos y pasivos del movimiento, a la racionalización del uso del peso (con una aproximación sistemática a las funciones del peso de la mano, del antebrazo y de la parte superior del brazo), a la distinción entre movimientos de la mano y movimientos de la muñeca así como a la distinción entre rotación de brazo y rotación de muñeca, ofreciendo al alumno una nomenclatura clara y argumentada para identificar y definir cada uno de los posibles movimientos.
El aspecto tal vez más llamativo de estas clases es el espacio que dedican a la formación muscular de la mano, al desarrollo de su musculatura en función de las necesidades de cada pianista y partiendo del conocimiento detallado del aparato neuromuscular, dedicando una atención específica sobre todo al entrenamiento consciente de los músculos lumbricales, los interóxeos palmares y dorsales, así como la musculatura propia del meñique y del pulgar. La utilidad de esta clase de entrenamiento, basado en sencillos ejercicios nunca invasivos y siempre pensados en función de la ejecución pianística, es especialmente tangible ante la presencia de dolores musculares en el brazo o en el espalda, así como en el caso de manos muy pequeñas o muy grandes. Esta metodología ha convertido los cursos de Luca Chiantore y Pablo Gómez Ábalos en un lugar de acogida al que acuden cada año pianistas de toda España y de muchos otros países.
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El estudio de la teoría y la historia de la interpretación musical

Una de las actividades más conocidas de Luca Chiantore son sus estudios en torno a la teoría de la interpretación musical, base de los más de 250 cursos monográficos que desde 1991 ha ido impartiendo en instituciones educativas de distintos países. Estos cursos, basados en una metodología poco frecuente, integran conocimientos musicológicos, grabaciones audio y video, y una constante atención a las implicaciones teóricas y prácticas del lugar que ocupa el intérprete hoy en día. Las principales áreas de estudio de estos cursos son:
- la historia del repertorio pianístico
- la evolución del piano y de su técnica
- la historia de la interpretación
- la praxis interpretativa de las distintas épocas
- la historia de la notación a partir de 1750
- los grandes pianistas de los siglos XIX y XX
Una parte de estos cursos están concentrados en aspectos teóricos y panorámicas más globales; otros están dedicados a autores concretos (Bach, Mozart, Beethoven, Schubert, Chopin, Liszt, Schumann, Brahms, Debussy, Skryabin, Rachmaninov, Bartók, Webern, y otros), siempre observados desde la perspectiva de la historia de la interpretación y de la relación con la praxis interpretativa de cada época.
Luca Chiantore es, además, docente de Teoría de la Interpretación I y II en la Escola Superior de Música de Catalunya, con sede en Barcelona, único centro educativo de España que dedica un espacio monográfico en su currículum al debate en torno a la teoría de la interpretación musical y a su relación con el estudio de la praxis interpretativa histórica, con el estudio de los cambios en la interpretación de repertorio y con las implicaciones prácticas de la convivencia de lenguajes propia del mundo musical actual
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Cursos Anuales de Análisis e Interpretación Pianística

Luca Chiantore dirige desde el año 1991 los Cursos Anuales de Análisis e Interpretación Pianística de Valencia (España), organizados hasta 2003 por la Escuela "Duetto" y a partir de entonces por MUSIKEON (www.musikeon.net). Estos cursos se han convertido con los años en una las más conocidas y mejor valoradas iniciativas didácticas españolas, y engloban clases periódicas de interpretación pianística, cursos teóricos, seminarios y clases magistrales con la colaboración de grandes concertistas internacionales. En los últimos años han colaborado con estos cursos artistas de la talla de Alicia de Larrocha, Dimitri Bashkirov, Katia & Marielle Labèque, Mischa Maisky, Ton Koopman, Rinaldo Alessandrini, Eric Heidsieck, Leslie Howard, Josep Maria Colom, Arthur Schoonderwoerd o el tristemente fallecido Lazar Berman. Estos cursos incluyen, además, clases y seminarios de historia de la interpretación, teclados históricos, improvisación, anatomía, educación auditiva, análisis musical, técnica y pedagogía del piano. El concierto que celebraba el 10.º Aniversario de la institución de dichos cursos, en mayo de 2002, estuvo a cargo de Krystian Zimerman.
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Historia de la técnica pianística

La "Historia de la técnica pianística", al igual que el resto de las publicaciones de Luca Chiantore, es el resultado visible de un constante interés por llenar el vacío que, demasiadas veces, se crea entre el mundo de los intérpretes y el mundo de la musicología. Su siguiente publicación degran calado, "Beethoven y sus ejercicios técnicos, entre composición, improvisación e investigación sonora", es uno de los primeros títulos del catálogo de Nortesur, nueva editorial cuya colección de música (Nortesur Musikeon) es gestionada por Musikeon y tendrá su lanzamiento en otoño de 2009

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Técnica de pianistas

Fruto de una vasta y rigurosa investigación, el libro se vale de un imponente conjunto de fuentes documentales, entre las que se hallan textos inéditos y extractos de obras teóricas que nunca hasta ahora habían sido objeto de un análisis exhaustivo. A través de ellos, el autor analiza con un criterio cronológico y estético la técnica de grandes pianistas y de célebres compositores, relacionándola con la evolución del repertorio, las distintas teorías pedagógicas y las transformaciones vividas por el propio instrumento. El resultado es la narración de una «historia» que, al tiempo que refleja a la perfección las revoluciones estilísticas de los últimos tres siglos, se presenta como una metáfora de toda nuestra cultura musical
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técnica del piano

Esta obra se ha convertido en los últimos años en una referencia internacional en los estudios sobre la historia de la técnica del piano. El objetivo del texto es mostrar hasta qué punto la evolución de la interpretación ha ido amoldándose al gusto de las distintas épocas y a la estética de cada compositor. Por ello, en lugar de mostrarnos el devenir histórico como un camino hacia una técnica "ideal", el autor defiende la multiplicidad de opciones que la historia nos ha dejado en herencia. La renuncia a cualquier dogmatismo es omnipresente: el debate en torno a la validez de una u otra interpretación no reside tanto en el análisis de los pormenores de la interpretación misma, como en el enfoque estético que la impregna. Pero entre las muchas opciones posibles hay una que reviste un interés especial, y es la que tuvo presente cada compositor en el momento de la creación de sus obras. De ahí el concepto de "Ur-Technik", de "técnica original", que análogamente a los más conocidos "Ur-Text" y "Ur-Ton" se presenta como un referente para comprender de qué modo tocaban los grandes protagonistas de la historia del piano e imaginar hoy posibles caminos para la interpretación de las obras que ellso han compuesto.
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Luca Chiantore

Luca Chiantore es un pianista, musicólogo y pedagogo italiano, nacido en Milán en 1966. Cursa las carreras de piano y composición, estudiando entre otros con Alexander Lonquich y Franco Scala e interesándose al mismo tiempo en la ejecución con instrumentos originales (fortepiano, clave, clavicordio). Su actividad concertística le ha llevado a ofrecer recitales y conciertos como solista con orquesta en diversos países de Europa y América, destacando siempre por el rigor y la originalidad de sus elecciones estilísticas. Interprete inquieto, constantemente interesado en el estudio musicológico, su actividad de investigador se concentra desde 1994 en la historia de la interpretación y de la práctica interpretativa. Entre los resultados de esta actividad está la redacción del libro Historia de la técnica pianística: Un estudio sobre los grandes compositores y el arte de la interpretación en busca de la Ur-Technik, un texto que relaciona los distintos aspectos de la interpretación con la técnica de los propios compositores, la evolución del lenguaje musical y las diferentes teorías pedagógicas. Acaba de ultimar un estudio detallado de los semidesconocidos "ejercicios técnicos" de Ludwig van Beethoven y ha publicado artículos y ensayos acerca de la teoría y la historia de la interpretación musical, con especial atención al repertorio del siglo XIX. Su reconocida actividad pedagógica otorga gran importancia al conocimiento estilístico de cada obra y al estudio de la praxis interpretativa de las diferentes épocas. Desde hace años viene impartiendo ciclos de cursos y masterclasses que pretenden acercar a los intérpretes el mundo de la investigación musicológica y el conocimiento de la historia de la interpretación. El centro de su actividad didáctica son los Cursos Anuales de Análisis e Interpretación Pianística de Valencia (España), que dirige desde 1991 y en los que se han formado algunos de los más brillantes jóvenes pianistas de la actualidad. Luca Chiantore es también docente de Teoría de la Interpretación e Historia de la música del siglo XIX en la Escola Superior de Música de Catalunya, con sede en Barcelona, y colabora desde 2004 con la Fundación "Príncipe de Asturias" en su Escuela Internacional de Música, dirigida por Yuri Nasushkin
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ompositores Pianola

No es posible atribuir la invención de este instrumento a una sola persona, ya que sus numerosos mecanismos fueron inventados a lo largo de un periodo prolongado, principalmente durante la segunda mitad del siglo XIX. Una de las versiones más famosas fue la creada por Edwin Scott Votey en 1897 en la ciudad de Detroit (Míchigan).

Compositores para pianola [editar]
George Antheil
George Gershwin
Enrique Granados
Edvard Grieg
György Ligeti
Conlon Nancarrow (1912-1997)
Ígor Stravinsky
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No es posible atribuir la invención de este instrumento a una sola persona, ya que sus numerosos mecanismos fueron inventados a lo largo de un periodo prolongado, principalmente durante la segunda mitad del siglo XIX. Una de las versiones más famosas fue la creada por Edwin Scott Votey en 1897 en la ciudad de Detroit (Míchigan).

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George Antheil
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Edvard Grieg
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Diseño pianola

La pianola original fue diseñada para ser una verdadera experiencia musical interactiva, en vez de meramente un instrumento automático: de ahí la razón por la que esta equipada con manijas de control interactivas con la intención de que el «pianolista» creara una actuación musical de acuerdo con su propio gusto. La pianola le proveía a aspirantes a pianistas y a amantes de la música con la destreza técnica que les faltaba mientras les permitía controlar la actuación musical interactivamente como si se tratara de virtuosos pianistas.
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La pianola

La pianola (o piano mecánico) es un instrumento musical que incorpora el mecanismo del piano al que se agregan elementos mecánicos y neumáticos para permitir la reproducción automática de la música perforada en un rollo de papel.
En realidad se trataría de una pianola/piano, ya que permite tanto su ejecución manual por un pianista como su ejecución automática mediante un rollo de papel perforado
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El piano preparado

El piano preparado es un invento relativamente reciente, que es usado en la música contemporánea. Este instrumento es un piano de cola normal al se le han colocado objetos en su interior para alterar su sonido o que ha recibido algún tipo de cambio en su mecanismo. Las partituras de las obras para pianos preparados a menudo instruyen al pianista sobre cómo insertar pequeñas piezas de goma o metal, como tornillos o arandelas, en medio las cuerdas. Estos elementos añadidos reducen el sonido de las cuerdas o crean sonidos poco corrientes debido a la alteración de la vibración de las mismas.
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piano transpositor

Irving Berlin utilizó para componer con más facilidad un instrumento llamado piano transpositor, creado en 1801 por Edward Ryley. Este instrumento podía cambiar de tonalidad al accionar una palanca situada debajo del teclado. Uno de los pianos utilizados por Berlin se encuentra en el Smithsonian Museum. En la mayor parte de su carrera, Berlin sólo supo utilizar las teclas negras del piano pero con este piano modificado no tuvo limitaciones con la tecla de fa♯.
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Piano electrónico

Artículo principal: Piano electrónico
Véase también: Órgano Hammond y Teclado electrónico
El piano electrónico es una invención del siglo XX. Tiene la misma apariencia del piano. La diferencia es que el sonido proviene de medios de síntesis electrónica. Además, puede reproducir el sonido de diferentes instrumentos y muchas veces incorpora canciones y ritmos predeterminados.
Los ritmos que vienen incorporados sirven para tocar los acordes con una sola tecla en diferentes estilos. Algunas tienen todo un sistema educativo, como el Yamaha Education System, el sistema de aprendizaje de Casio o el DoReMi de Roland. Con estos sistemas educativos se pueden aprender canciones, porque el sistema indica la tecla a presionar. Se pueden practicar fragmentos de canción, inclusive. Algunos modelos traen incorporado un metrónomo para poder sincronizar exactamente con la velocidad de la melodía.
El intérprete puede guardar canciones tocadas por él mismo, para volver a escucharlas después. También puede grabar la melodía para cada mano independientemente. Hay variedades que son sensibles al tacto, es decir, detectan la fuerza con que son presionadas las teclas, como en un piano real y actúan en consecuencia, reproduciendo el sonido con mayor o menor fuerza, según el caso.
Existen teclados electrónicos que cuentan con una pantalla LCD en la que se puede apreciar el pentagrama, la nota presionada (en un teclado dibujado) y las canciones. Tienen accesorios opcionales como el pedal y el cable para conectarse con un ordenador y se pueden transferir canciones a través del mismo. También se pueden enviar canciones desde el teclado hacia el computador por medio de un software de autoría de MIDI (MIDI authoring). Otros accesorios son el atril para colocarla y la base para las partituras.
La calidad de su sonido no es la misma de un piano normal y la fuerza con que se tocan las teclas también es diferente, aunque su precio es mucho menor.
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piano de cola

Un piano de cola es un tipo de piano en el que las cuerdas y la caja de resonancia se encuentran en posición horizontal. Los pianos de cola tienen una tapa superior que se puede abrir, de manera que los sonidos producidos por las cuerdas salen al exterior sin barreras de ningún tipo.
Su tamaño puede variar dependiendo del fabricante y tipo de piano de cola fabricado, pero suelen oscilar entre los siguientes valores:
piano de cola mignon: hasta 130 cm de longitud.
piano de un cuarto de cola. De 131 hasta 189 cm de longitud.
piano de media cola. De 190 hasta 225 cm de longitud.
piano de tres cuartos de cola. De 226 hasta 255 cm de longitud.
piano de gran cola. Superiores a 256 cm de longitud.
Todas las fábricas de pianos producen pianos excepcionales artcase. Algunos sólo poseen decoraciones o modificaciones espectaculares de los pianos ordinarios como pies trabajados, marquetería, pintura o revestimiento. Otros son modificaciones radicales como el Pegasus de Schimmel o M. Liminal diseñado por NYT Line y fabricado por Fazioli
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piano vertical

En 1863 Steinway & Sons diseñaron y fabricaron el piano vertical moderno con cuerdas cruzadas y una única tabla armónica y en 1874 perfeccionaron el pedal tonal o sostenuto, inventado en 1844 por Jean Louis Boisselot, que permitía un registro más amplio. Ese mismo año, Julius Blüthner patentó el sistema aliquot, que incorporaba a cada grupo de tres cuerdas una cuarta adicional más elevada para incrementar la resonancia de las mismas y que no era percutida por el macillo, sino que vibraba en simpatía. En 1880 Steinway & Sons abrió una sucursal en Hamburgo, lo que incrementó la competencia en el mercado europeo con Bechstein y Blüthner.
A partir de ese año ya se puede hablar de piano moderno, tal como lo se conoce hoy en día, aunque se han realizado modificaciones posteriores al diseño del piano pero sin demasiada trascendencia
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La 5ta cuerda

El hecho fundamental para que la guitarra progresara musicalmente fue la incorporación de una quinta cuerda en el siglo XVI. Durante mucho tiempo se ha atribuido su implantación al poeta andaluz Vicente Espinel, amigo de Miguel de Cervantes y gran aficionado y estudioso del instrumento.
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La vihuela

La vihuela, que tenía 6 pares de cuerdas, y no se diferenciaba demasiado de la guitarra, contribuyó posteriormente a su desarrollo en España, enriqueciendo su técnica y elevando la categoría de sus composiciones.
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La actual guitarra

El prototipo de lo que hoy es la guitarra española, tal como la conocemos ahora, apareció en el siglo XIV. El instrumento era utilizado en España por el pueblo para acompañar canciones y bailes populares. Mientras la vihuela se convertía en el instrumento de cuerda preferido por los músicos cortesanos, a diferencia de las cortes europeas donde se imponía el laud.
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Anteseores de la guitarra

En los reinos cristianos, de España y Europa, existía un instrumento conocido como guitarra con cuatro pares de cuerdas, de forma redondeada y caja abombada, parecido a la vihuela. Y en los reinos musulmanes de España el qitar o guitarra morisca, de tres pares de cuerdas, que pueden ser considerados precedentes directos de la guitarra española
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La guitarra enn españa

La guitarra española, más que un instrumento musical de raíces europeas o árabes, debe considerarse un instrumento que nace como consecuencia del contacto de las culturas hispano-cristiana e hispanomusulmana en la Edad Media.
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El mástil

El mástil está construido con madera de palosanto o cedro y está formado por el clavijero, el mástil y la quilla o zoque. En las guitarras modernas las clavijas están incluidas dentro de clavijeros metálicos, a diferencia del método empleado guitarras anteriores que consistía en insertar directamente las clavijas en la madera del clavijero. El clavijero está situado en el extremo del diapasón. Los clavijeros modernos tienen dos cortes verticales y están preparados para recibir los huesos, que son las pequeñas piezas en las las cuerdas van enrolladas. Las clavijas metálicas quedan en la parte exterior del clavijero y se emplean para afinar el instrumento mediante la tensión que ejercen sobre las cuerdas. Su tensión puede modificarse para la afinación mediante un sistema de tornillos sin fin impulsados por las clavijas, que implican pequeños rodillos sobre los cuales se envuelven las cuerdas. Éstas pasan a continuación por el puente superior, en el cual se cavan pequeños surcos que guían cada cuerda hacia el diapasón hasta llegar al clavijero. El clavijero puede llamarse también pala o maquinaria; de este mecanismo depende la afinación de las cuerdas de la guitarra.
La parte más larga del mango recibe el nombre de mástil y está cubierto con el diapasón, que es un trozo de madera, habitualmente de palosanto o ébano, sobre el que presionan los dedos las cuerdas de la guitarra. La quilla o zoque es la base del mango que se fija a la caja de resonancia.[1]
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Unión de las partes de la guitarra

Tras ser encolados todos los elementos que forman la caja de resonancia, se une con el mango y se incluyen refuerzos en el contorno de las dos tapas, en el centro del fondo y en las uniones inferiores y superiores de los aros. Posteriormente se adhiere el diapasón. Entre el mástil y el clavijero se coloca la cejilla que sirve para apoyar y separar las cuerdas. La cejilla habitualmente es de marfil, hueso, plástico o incluso metálica, en función de la calidad del instrumento.[1]
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concepto de pedagogia

La pedagogía es un conjunto de saberes que buscan tener impacto en el proceso educativo, en cualquiera de las dimensiones que este tenga, así como en la comprensión y organización de la cultura y la construcción del sujeto. A pesar de que se piensa que es una ciencia de carácter psicosocial que tiene por objeto el estudio de la educación con el fin de conocerla, analizarla y perfeccionarla, y a pesar de que la pedagogía es una ciencia que se nutre de disciplinas como la sociología, la economía, la antropología, la psicología, la historia, la medicina, etc., es preciso señalar que es fundamentalmente filosófica y que su objeto de estudio es la Formación, es decir en palabras de Hegel, de aquel proceso en donde el sujeto pasa de una conciencia en sí a una conciencia para sí y donde el sujeto reconoce el lugar que ocupa en el mundo y se reconoce como constructor y transformador de éste.
Es importante tomar en cuenta que a pesar de que la conceptualización de la pedagogía como ciencia es un debate que actualmente tiene aún vigencia y que se centra en los criterios de cientificidad que se aplican a las demás ciencias y que no aplican directamente a la pedagogía, es por ello que referirse a la pedagogía como ciencia puede ser un tanto ambiguo, incorrecto, o por lo menos debatible (depende del punto de vista con el que se defina ciencia). Existen autores, pues, que definen a la pedagogía como un saber, otros como un arte, y otros más como una ciencia o disciplina de naturaleza propia y objeto específico de estudio.
Consideraciones Pedagógicas:
Son aquellos argumentos o razones que posibilitan procesos educativos y comunicacionales que implican el acercamiento al conocimiento en el proceso de enseñanza – aprendizaje. Para la incorporación de un área de conocimiento se debe considerar pedagógicamente: los recursos técnicos y humanos, plan de estudios, elementos teóricos pedagógicos, estrategias de enseñanza – aprendizaje, expectativas docentes y de estudiante, etc.
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Guitarras de 4 y5 ordenes

Las guitarras de cuatro y cinco órdenes convivieron durante gran parte del siglo XVI. Y, vihuelistas como Mudarra y Fuenllana compusieron obras para ambas guitarras.
Incluso en la actualidad sobreviven pequeñas guitarras de cuatro cuerdas como el requinto aragonés o el guitarro de Castilla-la Mancha
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Etimología

Su etimología está relacionada con el arte o ciencia de enseñar. La palabra proviene del griego antiguo παιδαγωγός (paidagogós), el esclavo que traía y llevaba niños a la escuela. De las raíces "paidos" que es niño y "gogía" que es llevar o conducir. No era la palabra de una ciencia. Se usaba sólo como denominación de un trabajo: el del pedagogo que consistía en la guía del niño.También se define como el arte de enseñar. Ha de señalarse que relacionada con este campo disciplinar está la Andragogía.
Cuando la Ilustración europea de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, desde Francia, Alemania, Inglaterra, el Marqués de Condorcet, Rousseau, Herbart, Pestalozzi, Fröbel... plantean el interés "ilustrado" por el progreso humano y retoman el significante griego. Ahora con otros significados que, por otra parte, ya estaban anclados en las mismas raíces señaladas. De un lado, "paidos", niño, comienza a expandirse el significado de lo humano, de todas las etapas de la vida humana. No sólo de la niñez. El verbo, igualmente, deja de ser el significado base de la "guía" física/psíquica para pasar a significar "conducción", "apoyo", "personal", "vivencial".
Por eso, reiteradas veces se ha explicado "pedagogía" como "androgogía", significante que no ha llegado a tener la misma fortuna. Tal vez porque "pedagogía", además de la tradición, tenía a su favor la insistencia en la infancia como en el tiempo crucial para construir la persona a perfeccionar. Además de evitar las preocupaciones del lenguaje sexista actual que requeriría "androgogía" y "ginegogía".
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